martes, 5 de noviembre de 2013

CRISTINA APARICIO, ESCRITORAS ESPAÑOLAS A LO LARGO DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX









ESCRITORAS ESPAÑOLAS A LO LARGO DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX



El ascenso social de las mujeres, la revolución femenina que se ha producido en Occidente durante los últimos cincuenta años ha tenido su reflejo, como no, en la Literatura. A lo largo de estos años han ido surgiendo numerosas mujeres escritoras y ascendiendo en el escalafón, en los premios, en el reconocimiento hasta situarse, hoy en día, a una escala igual (o casi) que la de sus colegas masculinos. En España este fenómeno ha sido especialmente significativo, seguramente porque en nuestro país la mujer partía de una situación de mayor atraso que en el resto de Europa. El propósito de este artículo es dar a conocer cómo las escritoras españolas, a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, han ido abriéndose camino paulatinamente en el mundo de las Letras hasta llegar, como ocurre en la actualidad, a disfrutar de un reconocimiento literario y a una "normalidad" como escritoras hasta hace poco impensables.



Concluida la Guerra Civil, tras un momento de declive general de la creación artística aparecen a mediados de los años 40 una serie de mujeres escritoras, nuevas voces que van a irrumpir con fuerza. Las novelas de estas nuevas escritoras destacan, como el resto de la novelística, por su afiliación al Realismo Social, que surge entre los años 1939 y 1962, cuando alcanza su momento de mayor auge.



Algunas de las características de la literatura escrita por mujeres en esta época es el deseo de cambiar una sociedad en la que estas mujeres sufrieron la guerra de niñas o adolescentes. Sus historias están llenas de frustración, inadaptación, soledad o muerte. La mayoría de las historias describen la vida en el campo criticando la burguesía. El estilo que utilizan para narrar estas historias es sencillo y directo.






Pronto estas escritoras comienzan a ser avaladas por premios importantes. Carmen Laforet, Barcelona (1921) es la primera mujer en ganar el Nadal por su obra Nada, en 1944. Una novela sombría y existencial que refleja la decadencia material y moral de la sociedad de su tiempo. Algunas otras obras de esta autora son: La mujer nueva 1955, La niña y otros relatos (1970) o Paralelo 35 (1967). A esta nueva voz se une la de Ana María Matute quien también refleja el desolado mundo de la posguerra y lo hace desde una perspectiva pesimista y existencial. Ana María Matute, Barcelona (1926) gana el Premio Nadal por Primera memoria. en 1961. De los quince premios Nadal concedidos anteriormente diez habían recaído en hombres y cinco en mujeres. Con posterioridad al Nadal, Matute sería galardonada con diversos premios, entre ellos el Premio de la Crítica en 1958 y el Premio Fastenrath de la Real Academia Española por Los soldados lloran de noche. Obras cruciales en la trayectoria de esta autora son Los Abel y Fiesta al noroeste donde deja ver un realismo social amargo y nostálgico, con descripciones detalladas de ambientes familiares. La obra de Matute es considerada unas de las aportaciones más significativas a la literatura de Posguerra, y ha ido oscilando entre el retrato de la realidad histórica, la recreación imaginativa y la profundización en varios temas recurrentes: La injusticia, el paso de la infancia a la adolescencia y la denuncia social. Después de un largo periodo de silencio, Ana María Matute ha vuelto a la actualidad literaria recientemente con la publicación de sus novelas Olvidado Rey Gudú y Aranmanath, ambas de corte fantástico.


CARMEN MARTÍN GAITE

Carmen Martín Gaite, Salamanca (1925-2000) es otra de las escritoras premiadas con el Nadal por Entre visillos (1957). Esta escritora también destaca por el Realismo Existencial que refleja en sus novelas. Al igual que Ana María Matute se le concederán posteriormente numerosos y destacados premios, como el Premio Príncipe de Asturias de las Letras, (1994) o el Premio Castilla y León de las Letras. Entre las obras más importantes de esta autora cabe destacar: El Balneario, (1955), Retahílas (1970) o Lo raro es vivir, (1996).

En 1952 se crea un nuevo Premio Literario, el Planeta, con el cual muy pronto van a verse reconocidas estas nuevas voces femeninas que se asoman a una nueva era y que van tomando posiciones en un panorama como el de la Literatura, dominado hasta entonces, casi de forma exclusiva, por los hombres. Así, ya en 1954,  Ana María Matute recibe el Premio Planeta por Pequeño teatro.

A partir de 1960 la sociedad española entra en una época de profundo cambio, generado por el desarrollo económico, cultural y social. Empieza el progreso y con él se afianza un nuevo tipo de literatura, la hecha por escritoras. Son cada vez más las mujeres que escriben y que son publicadas.

Entre 1960 y 1978 se produce en nuestro país, aunque de forma muy lenta, una apertura social y una renovación artística que pueden verse reflejadas en obras como El cuarto de atrás (1978) de Martín Gaite. Esta obra se crea entre dos épocas, la del Franquismo y otra nueva que comienza.

A partir de los ochenta, las mujeres comienzan a ser premiadas de forma consecutiva y mayoritaria, cosa impensable hasta la fecha. La sociedad española había experimentado ya en esta época un profundo cambio a favor de las mujeres. También el mundo de las Letras comienza a considerar y a valorar a las mujeres escritoras, con lo cual el panorama de la literatura española se hace más rico. Ya no es sólo cosa de hombres, salvo raras excepciones; ahora es también de mujeres. Algunas como Rosa Montero, Maruja Torres, Carmen Posadas, Soledad Puértolas han crecido en una nueva sociedad, con nuevas perspectivas respecto a la mujer y el mundo laboral. Son escritoras que nacen entre los años cincuenta y sesenta y sus producciones literarias se dan a conocer en torno a los ochenta. Todas estas escritoras serán galardonadas con el premio Planeta entre 1989 y 2000. Casi todas ellas se confiesan feministas, al menos por gratitud histórica.











ROSA MONTERO

Rosa Montero nace en Madrid en 1951. Estudia periodismo, pero se considera escritora y periodista. Con su novela La hija del Caníbal su primera incursión como escritora, gana el Premio Primavera en 1997. Es una de las autoras más leídas de nuestro tiempo. Crónica del desamor (1979),La Función Delta (1981) o Te trataré como una reina (1983) son algunas de sus obras. Rosa Montero es una escritora que llega a la madurez en los últimos años de franquismo y los primeros de la democracia. Según sus palabras:"-no podemos cerrar los ojos ante el fenómeno cada vez más comercial en que se está convirtiendo el mundo de los libros". Habría que preguntarse, al hilo de esto, en qué manera ha cambiado realmente y si con la aparición cada vez mayor de escritoras en los últimos años estamos ante una operación de marketing o, por el contrario, asistimos a un fenómeno social y cultural. En este sentido, Rosa Montero concibe la literatura como algo único,-y no como literatura de hombres o de mujeres. Entiende la literatura como acceso a los otros mundos que llevamos dentro y en ello no puede haber diferencia de sexos.
















MARUJA TORRES

Al igual que Rosa Montero, Maruja Torres es periodista antes que escritora. Nace en Barcelona en 1943 y cultivó todas las facetas del periodismo. Torres habla sobre el franquismo como algo que no quiere ni nombrar. Fue una etapa de su vida que le tocó vivir y que prefiere olvidar. Reconoce que fue una época de atraso cultural: había pocos libros y los que había eran caros. Se prohibieron muchísimas obras, había una censura muy férrea. Reconoce que culturalmente eran muy pobres y por eso se rebelaban. Sus obras hablan de inconformismo. Ella quería vivir de otra manera, dejando a un lado lo tradicional o lo convencional. Maruja Torres ganó el Premio de Literatura extranjera por Un Calor tan cercano en 1998 y el Premio Planeta por Mientras vivimos en el año 2000, una obra en la que describe el cambio generacional ocurrido en España y cómo las nuevas mujeres se han podido formar en un ambiente menos opresivo. Destacan otras obras tales como: Mujer en guerra, (1999) Amor América, (1993) o Ceguera de amor, (1991).













ALMUDENA GRANDES

Otra de las escritoras en auge es Almudena Grandes. Nace en Madrid en 1960 y se da a conocer en el mundo literario por Las Edades de Lulú que fue Premio de narrativa erótica en 1989. Cabe destacar obras como Malena es un nombre de tango (1994) o Atlas de geografía humana (1998). Tanto Las edades de Lulú como Malena es un nombre de tango se llevaron al cine. Grandes dice ser escritora por equivocación y opina que lo importante para el escritor no son los premios literarios sino los lectores. Para ella, cada uno escribe desde los materiales de su propia memoria.














CARMEN POSADAS

Carmen Posadas es otra Premio Planeta femenina. Se lo concedieron en 1998 por Pequeñas infamias. Nació en Uruguay en 1953 pero lleva toda su vida viviendo en España. Antes de dedicarse a la novela escribió literatura infantil, guiones y colaboró en prensa escrita. En la década de los noventa toca todos los géneros, teatro, cuentos, novela y ensayos. Para Carmen Posadas un premio es importante sólo en la medida en que puede darte a conocer, ya que en este país, los escritores o tienen mucho éxito o directamente se mueren de hambre. Se casó con el entonces director del Banco de España, Mariano Rubio. Otro de los premios en su haber es el de Literatura Infantil por El señor viento del norte, (1984).













SOLEDAD PUÉRTOLAS

Soledad Puértolas, nació en Zaragoza en, 1947. Fue Premio Sésamo por El bandido doblemente armado, (1979) y Planeta en 1989 por su obra Queda la noche. Puértolas reconoce que la narrativa española actual es más rica y que surge con más fuerza tras la dictadura franquista. “La vida cotidiana de entonces era de tonos grises, la Posguerra es gris”, dice, recordando las rígidas normas convencionales de entonces. Todo ello era señal de una sociedad estancada y sin creatividad. Ahora sin embargo, para Soledad Puértolas “somos mucho más libres y tenemos que aprender a vivir con esa libertad”. Puértolas opina que el cambio que ha dado la mujer en nuestra sociedad ha sido revolucionario, “La mujer no sólo se ha incorporado al trabajo sino que ahora tiene un papel social que antes no tenía, ahora en el hogar se comparten las responsabilidades. En todos los ámbitos de la sociedad española están las mujeres presentes y eso significa un cambio muy importante". Pese a todo, opina también que ha habido una importante incorporación de la mujer, pero ningún desplazamiento de los hombres. Para Puértolas aun la mayor parte de los intervinientes en congresos son hombres, y la mayoría de obras son títulos de autores masculinos."Los críticos literarios son asimismo en su mayoría hombres, y el control sigue en manos de los hombres”.













LAURA FREIXAS

Laura Freixas y su Literatura y Mujeres pone de manifiesto este cambio que han supuesto las escritoras en el panorama literario español en las últimas décadas del siglo XX. Freixas nace en Barcelona en 1958 . Escribe relatos como Cuentos a los cuarenta y novelas como Entre amigas. Para Freixas la creación artística es el camino para llegar a esa salvación de mediocridad y mentira. Opina que el hombre está más preocupado por la realidad y la mujer se refugia más en la fantasía. Considera que el hecho de que las escritoras actuales hablen de un mundo femenino tiene motivos históricos. Lo masculino ha sido siempre universal y lo femenino se ha visto siempre como algo particular. Las mujeres están aportando a la literatura una perspectiva nueva.













ROSA REGÀS

Y Rosa Regàs, la última Planeta 2001 por La canción de Dorotea, es una escritora atípica ya que empieza a escribir a la edad de 58 años. Nace en Barcelona en 1933, es fundadora y directora de varias editoriales, y ha recibido varios premios de periodismo y otros tantos literarios como el Nadal en 1994 por Azul.

En la actualidad estamos asistiendo a un boom de jóvenes escritoras que triunfan, con alguna polémica sobre si ese éxito obedece a su calidad literaria, montajes comerciales, a la editorial que las respalda o a los premios que se le otorgan. Pero lo principal es que son mujeres escritoras. Se trata de Lucía Etxebarria, Premio Nadal en 1997 por Beatriz y los cuerpos celestes, Espido Freire, Premio Planeta por Melocotones helados, Clara Sánchez, Premio Alfaguara 2000 por Ultimas noticias del paraíso o Eugenia Rico con La Muerte Blanca, premio Azorín de novela 2002. Una nueva generación de escritoras que vendrán a confirmar si el auge de la mujer en este terreno de las Letras es tan sólo una moda pasajera o, por el contrario, si las editoriales apuestan fuerte por las mujeres es porque realmente lo merecen. 





©Cristina Aparicio

Licenciada en Filología Inglesa, 

Universidad de Sevilla, 1998




EL CERVANTES VIRTUAL Y LAS ESCRITORAS ESPAÑOLAS

En este enlace puedes acceder a la página dedicada a las escritoras españolas en el Cervantes virtual:




lunes, 4 de noviembre de 2013

JAMES MANGOLD, KATE & LEOPOLD



KATE & LEOPOLD



Kate & Leopold, es una comedia romántica protagonizada por Meg Ryan y Hugh Jackman. 
Esta película es una de las referencias  citadas por Uniovi para estudiar el contraste de civilizaciones y los viajes en el tiempo.

Dirigida por James Mangold. 
Estrenada diciembre de 2001 en Estados Unidos y en abril de 2002 en España.
Trata el tema de los viajes en el tiempo a través de un portal  espacio temporal que va del Nueva York del siglo XXI al del siglo XIX.

ARGUMENTO

Kate McKay es una moderna ejecutiva neoyorkina, una mujer del siglo XXI que solo quiere triunfar en el mundo empresarial. 
Leopold, el tercer duque de Albany, es un caballero soltero, elegante y refinado de finales del siglo XIX que llega accidentalmente al Nueva York de nuestra época a través de un portal en el tiempo.
Las expectativas profesionales y sociales de ambos, les llevan a mostrarse cínicos ante el amor. 
A pesar de las diferencias entre ambos, se enamoran...

El argumento romántico es convencional, ligero y previsible y los viajes en el tiempo no aparecen apenas explicados con una base medianamente sólida, son solo un pretexto para presentarnos a dos personajes muy distintos, pertenecientes a mundos opuestos, unidos por el amor a través del tiempo.  

UNTIL DE STING

En el año 2002, la canción Until, creada para la película e interpretada por el cantante Sting, obtuvo el Globo de Oro a la mejor canción original.

Aquí puedes escucharla junto con algunas imágenes de la película.











domingo, 3 de noviembre de 2013

EL PERSONAJE DEL CRIADO PLAUTINO










EL PERSONAJE DEL CRIADO PLAUTINO 

En la comedia latina existió un personaje muy apreciado, el del criado gracioso, astuto, engañador y servicial, que conduce la intriga y ayuda al amo joven en sus amoríos y le saca al padre tacaño el dinero que el hijo necesita para financiarlos.

La influencia de este criado palutino aparece a lo largo de la literatura en diversas obras y autores.


Uno de los criados más conocidos de la literatura medieval aparece en una obra narrativa del siglo XIV del infante don Juan Manuel llamada el Libro de los enxiemplos del Conde Lucanor et de Patronio.











La Celestina de Fernando de Rojas


En la transición de la Edad Media al Renacimiento, en la obra de Fernando de Rojas, La Celestina, en donde Sempronio, el criado del joven y enamorado Calisto, se burla del apasionado amor de su señor y, actuando de mediador, le aconseja que acepte los servicios de la alcahueta que da título a la obra. 


Lope de Rueda en sus Pasos presenta a diversos criados.
Entre ellos saca a escena el personaje del criado listo, una figura de mente ágil, con habilidad para fraguar engaños y disculpas y con gran dominio de la elocuencia.
Este criado se opone en el tablado al personaje del llamado criado bobo o simple.

Cervantes crea el personaje de Sancho Panza, criado de don Quijote, que sirve de contrapunto sensato y realista a las locuras y ensoñaciones de su señor. 













Sancho Panza representado por el actor Alfredo Landa

En el teatro del Barroco español, el personaje del gracioso o figura del donaire es claro heredero de los criados de Plauto. 

El gracioso es un criado ingenioso y cómico que, con gran habilidad, saca frecuentemente de apuros al noble al que sirve.

Es como el esclavo de las comedias de Plauto, pero no es un pícaro, porque sus fines no son egoístas, sino que busca ayudar a los intereses de su señor.

El gracioso es el tipo más característico de la comedia española cuyos máximos representante son Lope de Vega y Calderón de la Barca.

Suele ser el criado del galán, pero también su consejero y amigo y su contrapunto en el carácter. 

Es ingenioso, cobarde, ama el dinero, los placeres y la comida. 

Suele emparejarse con la criada de la dama. 
Sus intervenciones cómicas rompen la tensión y el dramatismo.

Los personajes de Scapin, en Las trapisondas de Scapin, de Molière, y Ciutti, en Don Juan Tenorio, de Zorrilla, están en la misma línea de sus predecesores plautinos. 


Las apariciones de criados que ayudan a su amo con ingenio e inteligencia, son constantes en el arte y la literatura universal.


















Robinson Crusoe y Viernes

Daniel Defoe en su novela Robinson Crusoe crea el personaje de Viernes, criado/esclavo de Robinson.


Tolstoi trata el tema de la peculiar relación que se establece entre amo y criado en su novela La muerte de Iván Illich.

Ivan Illich y su criado Gerasim viven unidos la experiencia de la inminencia de la muerte.

Esta relación emocional llega a ser  tan íntima que para Iván la presencia de Gerasim y el contacto físico con este criado son de los pocos consuelos que logra en su agonía.


Entre los criados literarios no podemos olvidar al famoso Passepartout, criado y ayudante de Phileas Fogg, en La vuelta al mundo en 80 días de Julio Verne.




En el cine y en el cómic la relación amo criado aparece en numerosas obras.


Citaremos a Alfred Pennyworth, el mayordomo de Bruce Wayne, personaje de ficción de la DC Comics, que aparece frecuentemente en la serie Batman y en las películas. 



Como criado es indispensable para Batman, no sólo porque mantiene tanto la mansión como la batcueva en pleno funcionamiento, sino también como sabio consejero.


En el cine no hay que olvidar El sirviente de Joseph Losey que trata una relación envolvente, morbosa y claustrofóbica que se establece entre un amo y un criado en la Inglaterra del siglo XX.

El amo cree haber encontrado a su sirviente perfecto en su mayordomo que se ocupa hasta en los más nimios detalles de la casa.  

El amo es un ser débil y apocado, el criado es un auténtico manipulador que, poco a poco, irá convirtiéndose en el verdadero dueño y señor de la casa, consiguiendo invadir los espacios más íntimos de la existencia de su amo.

La relación amo/criado ha sido ampliamente tratada en la literatura y en el cine desde puntos de vista muy variados, algunos ya muy alejados del personaje tipo que crea Plauto aunque en el fondo conserven alguno de los rasgos del criado plautino.



sábado, 2 de noviembre de 2013

LUIS F. TRONCÓNIZ, CINE GÓTICO Y LITERATURA


EL CINE GÓTICO

Haz un repaso con este vídeo de algunas de las películas más representativas del cine gótico:


Para completar la información puedes leer este artículo de Luis F. Trocóniz sobre la literatura gótica en el cine.





CINE GÓTICO Y LITERATURA 

Decir a estas alturas que el séptimo arte tiene una gran deuda con la literatura produce cierto sonrojo. Ahora bien, no todas las corrientes y estilos literarios han participado en el engrandecimiento del cine de la misma manera. La literatura gótica, junto a la de aventuras y la ciencia ficción, quizás sea la corriente literaria que más repercusión haya tenido en la historia del cine desde sus inicios hasta nuestros días, al menos como generador de iconos universales. 




















El gótico literario tiene su punto de arranque en la Inglaterra de finales del XVIII, como reacción a una concepción filosófica y estética racionalista que provenía de la Ilustración. A lo largo de todo el siglo XIX la literatura gótica desarrollará una ingente variedad de tramas y estilos narrativos: desde el cuento sobrenatural, a la novela de fantasmas, pasando por los relatos de detectives o los dramas por entregas. Sin embargo, el término “gótico” aplicado al cine va a ser utilizado generalmente para referirnos al género de terror, aunque dicha estética vaya a estar también presente en otros géneros, como el cine negro o la ciencia ficción. Y de igual manera que el cine gótico no se puede circunscribir únicamente al cine de miedo, no todo el cine de terror que hoy conocemos podemos considerarlo gótico: el gore, que nace de las películas de serie B de finales de los 60 y 70, o el más reciente nuevo terror adolescente —donde jovencitos adinerados sufren las manías persecutorias de un psicópata— tienen poco ya que ver con el terror clásico que inspiraron los Bram Stoker, Walpole o Lovecraft. 


Pero realmente, ¿cuáles son las características del terror gótico? En primer lugar, y como punto de partida, hay que decir que en la propia naturaleza del género reside una continua exaltación de lo “subjetivo”, frente al naturalismo de algunas escuelas (documentalistas y neorrealistas principalmente) que buscan representar una realidad más o menos “objetiva”. Lo fundamental en el terror gótico es transmitir la visión de un mundo misterioso e inquietante, donde el hombre está indefenso a expensas de fuerzas superiores a su voluntad. La decadencia de una sociedad decrépita, las imágenes de locura y muerte, los fantasmas ancestrales y las escenas oníricas serán las principales señas de identidad de este cine, fiel a la tradición literaria del gótico de finales del siglo XVIII y del XIX. Pero el cine gótico se caracterizará sobre todo por una exageración dramática sublime, tanto en las formas como en el fondo, creando un marco sobrenatural inigualable para que personajes siniestros provoquen el escalofrío y el horror a sus anchas en el espectador.




Para encontrar los orígenes del cine de terror gótico debemos remontarnos al cine mudo. En esta etapa inicial los géneros más sobresalientes fueron el épico (superproducciones que recreaban hechos históricos, como Cabiria, El nacimiento de una nación u Octubre, entre muchas otras), el cine cómico (Mark Sennet, Chaplin, Harold Lloyd o Buster Keaton) y finalmente, el cine de terror, amén de otro cine destinado al gran público y más cercano al melodrama. Las primeras fuentes de inspiración de los cineastas vinieron de la mano de la literatura y, muy en especial, de la novela. 





















¿Por qué llegan con mayor fuerza a la gran pantalla los relatos de la literatura gótica que las historias de las novelas de corrientes realistas y naturalistas del siglo XIX? Evidentemente, el potencial estético del joven arte para crear imágenes sugestivas no podía pasar desapercibido para los productores de la época. Tras la rica experiencia del teatro romántico y el emergente teatro expresionista, la industria del cine aprovechará su capacidad referencial para ilustrar lo que hasta ahora sólo se había podido leer o ver sobre un escenario, y será en la estética expresionista donde las historias de terror encontrarán un perfecto acomodo. 


Al igual que en pintura y teatro, el expresionismo cinematográfico nace en Alemania como un movimiento de vanguardia cuya motivación principal es la de provocar, removiendo la conciencia del espectador, creando imágenes angustiosas. Para ello, se dotará de una plástica escenográfica propia —con decorados donde abundan las paredes inclinadas y las formas angulosas, utilizando la luz y la sombra para crear ambientes sugestivos— que llegará en buena parte hasta nuestros días como convenciones del género de terror, si bien sin las extravagancias de los primeros momentos. Este nuevo arte expresionista, tan exagerado en sus formas como cuidado en sus argumentos, encontrará en la literatura de terror del XVIII y XIX un perfecto filón que explotar. A diferencia de las producciones épicas o cómicas, que en gran número partirán de guiones originales, el terror beberá directamente del riquísimo legado literario gótico y lo hará mediante adaptaciones bastante fieles al original. 



























Con el paso del tiempo, estas películas pasarán a formar parte de la historia de la cultura iconográfica universal. Los paisajes inhóspitos, los castillos abandonados, la sobreactuación de los actores heredada del teatro romántico (recuerden la interpretación histriónica del Conde Drácula de Bela Lugosi), los ambientes de pesadilla y los universos paralelos serán la fuente de inspiración para las primeras obras producidas por la Universal y para los expresionistas Fritz Lang, Robert Wiene o Murnau. Por el contrario, en esta primera etapa muda la influencia de la literatura “realista”, donde la fuerza del diálogo es fundamental, no alcanzará su máximo esplendor hasta la llegada del cine sonoro a finales de la tercera década del siglo XX. Resulta curioso que en Inglaterra, con la rica tradición de novela y melodrama teatral góticos, sus cineastas no prestaran excesiva atención a tales obras hasta la aparición de la productora Hammer a mediados de la década de los 50, dando comienzo un renacer del género con la incorporación del color. Por primera vez se veía en pantalla el rojo intenso de la hemoglobina. Millones de espectadores se horrorizaron al ver chorrear la sangre por los colmillos del incombustible Christopher Lee. 



Para el mundo del cine, uno de los aspectos más atractivos de la literatura gótica siempre ha sido la descripción de atmósferas asfixiantes, donde los paisajes sobrecogedores y las noches de luna sugieren imágenes escalofriantes. Pero amén de castillos abandonados, callejones oscuros y sótanos infectos, donde el terror filmado encontrará la horma de su zapato será en el monstruo. En buena parte de los casos serán criaturas semihumanas o con alguna extraña mezcla de animal esotérico (lobos, murciélagos, reptiles, insectos, etc). Otras veces en cambio, serán hombres que pierden sus facultades humanas por algún motivo (Frankenstein, el Dr. Jekyll), locos asesinos (Jack, el destripador) o depravados (El enterrador de cuerpos). Pero de todos los monstruos, el más representado en la historia del cine será el vampiro, con su noble encarnación en el Conde Drácula.


Todos estos monstruos han sido representados una y otra vez hasta convertirse en verdaderos mitos del siglo XX, gracias al ingenio de los R.L. Stevenson, Mary Shelley o Polidori. El cine por sí mismo nunca hubiera sido capaz de crear tan magnéticas y fantásticas criaturas. 




















La segunda gran aportación de la narración gótica, tanto o más importante que la anterior, será la concepción del espacio. Sólo hay que recordar las riquísimas y prolijas descripciones de H.P. Lovecraft o Edgar Allan Poe, donde los ambientes juegan un papel tan importante como los personajes: cementerios, bosques, castillos, pasadizos, criptas, casas abandonadas, posadas en medio del camino... Todo ello recrea los miedos ancestrales del hombre, el miedo a la oscuridad, a la soledad en espacios peligrosos, el miedo a lo desconocido y, finalmente o el miedo a la muerte. 

Y buena parte de culpa la tendrán los elementos expresionistas, anteriormente citados, que pervivirán en este cine de terror más allá de sus comienzos experimentales. Así, casi noventa años después de El gabinete del Dr. Caligari, M, el vampiro de Dusseldorf, Nosferatu o El testamento del Dr. Mabuse, siguen inquietándonos recursos tan sencillos como efectivos, mil y una vez vistos, como una puerta entreabierta en lo alto de una escalera. 



El terror gótico, a diferencia de otras producciones de terror tiene preferentemente una ubicación temporal en épocas remotas, especialmente en la Inglaterra victoriana. Allí se desarrolla uno de los relatos más espeluznantes llevados a la gran pantalla: El extraño caso del Dr. Jekyil y Mr. Hyde. En esta ocasión, a diferencia de Drácula o Frankenstein, el monstruo habita en un ser humano que le impulsa indefectiblemente a matar. El mal está en nosotros. 


El terror desgarrado de los suburbios del Londres del XIX y de viejos castillos convive también con un terror de estirpe romántica y humanista encarnado por Frankenstein. Al igual que en el caso de Drácula existen diferentes versiones de esta obra: primero, un Frankenstein siniestro y asesino hasta la versión más edulcorada rodada hace unos años por Kenneth Brannagh. Lo mismo ocurre con Drácula, que comenzó con una interpretación barroca y elegante, encarnada por Bela Lugosi, pasó por el satánico y embaucador Drácula de Christopher Lee hasta llegar de nuevo a la romántica y sensual versión del maestro Coppola. 

Todos ellos tienen una cualidad en común: la decadencia propia del romanticismo, el horror como algo sublime, la erótica de la sangre y el escalofrío, la sensual belleza de lo prohibido. Por el contrario, la mayor parte del cine de terror de nuestros días parece orientarse más hacia lo sensitivo, al gusto por el susto fácil, al tedioso juego de descubrir al asesino o, directamente, a provocar la náusea gracias a jugosas escenas de vísceras y demás truculencias. Tras la intensísima producción de la Hammer en los años 50 y 60, no han sido muchos los que han continuado cultivando este género, salvo honrosas excepciones. El barroquismo de algunas películas de Tim Burton­ ­—Eduardo Manostijeras, Sleepy Hollow— sin entrar en el campo del terror propiamente dicho, apuntan a este director como uno de los herederos más directos de los Jacques Tourneur y compañía. De todas formas, no cabe descartar un nuevo resurgir de este cine si tenemos en cuenta cierta corriente revival que se viene instalando lentamente en los grandes estudios desde la década pasada. Dependerá, en buena parte, de la producción literaria.

Luis F. Trocóniz





viernes, 1 de noviembre de 2013

FRANÇOIS BRUNELLE, ¡YO NO SOY UN SOSIAS!





FRANÇOIS BRUNELLE


Relacionado con el Anfitrión de Plauto está el tema del sosias, ese doble que todos tenemos en alguna parte según la tradición popular y la literatura.


François Brunelle es un fotógrafo canadiense que retrata a dobles sin relación de parentesco. 


Está realizando un proyecto titulado ¡Yo no soy un sosias! consistente en la búsqueda de 200 parejas de diferentes países con parecidos que incluso van más allá de la diferencia de edad y sexo. 


Brunelle quiere minimizar las diferencias y resaltar las similitudes que existen entre los seres humanos.


Inició el proyecto en el año 2000 y, cuando lo complete, organizará una exposición internacional y editará un libro con todas las imágenes.

Muchos de los participantes son canadienses ya que François Brunelle vive y trabaja en Montreal. 


El fotógrafo se ha trasladado también a Estados Unidos, a diversos países de Europa y a Australia para acudir a la llamada de quienes lo han reclamado por Internet.



¡YO NO SOY UN SOSIAS!



Las imágenes realizadas por François Brunelle son en blanco y negro.






Los modelos pueden ser de edades e incluso de sexos diferentes.




Además de los rasgos más evidentes, muchos comparten la mirada, un gesto sutil, el peinado o la actitud ante el objetivo.




Brunelle los fotografía en blanco y negro, con una expresión similar y abrazándose como si fueran amigos o familia. 



Él les da instrucciones para que vengan vestidos de una manera similar y algunos incluso se ponen de acuerdo para llevar el mismo atuendo. 



A lo largo de sus sesiones de trabajo, el propio fotógrafo ha encontrado a tres sosias suyos.





ÚNETE AL PROYECTO ¡YO NO SOY UN SOSIAS!

Si deseas buscar a tu sosias ahora es tu oportunidad.

Si quieres participar en este proyecto o deseas más información sobre este fotógrafo visita:


Los datos para esta entrada están sacados de:  





martes, 29 de octubre de 2013

FERNANDO PESSOA, CURIOSIDADES




CURIOSIDADES SOBRE FERNANDO PESSOA

EL ARCA DE PESSOA


Pessoa guardó en un arca innumerables páginas que, según un primer recuento, contenía 27,543 documentos.



En 1979 dichos papeles fueron adquiridos por la Fundación Gulbenkian que los entregó en 1982 a la Biblioteca Nacional de Lisboa. 



De ellos sólo una parte han sido públicados. 






Toda la actividad intelectual de Pessoa está reunida en dicha arca: notas de lectura, diarios, horóscopos y trabajos de astrología por la que sentía pasión, textos políticos, listas bibliográficas, correspondencia, poemas, canciones, prosas, obras de teatro, traducciones, en suma: un inventario exhaustivo que aún no termina de hacerse.





UNA FOTO DEDICADA


Esta fotografía (1929) sirvió para reiniciar un segundo período en la relación platónica de Fernando Pessoa con la joven Ophelia Queiroz. 



Pessoa aparece bebiendo un vaso de vino tinto en la vinatería de Abel Ferreira da Fonseca, con unos pequeños toneles de Clarete, Abafado, Moscatel o Ginja detrás. 




Ophelia contaba así la historia:


“Un día mi sobrino Carlos Queiroz trajo a casa la famosa fotografía de Fernando bebiendo vino. 
Llevaba una dedicatoria: “Carlos, éste soy yo, en el bar de Abel, es decir cerca del Paraíso terrenal, por otra parte ya perdido, Fernando, 2/9/1929″. 


Me pareció muy curiosa, desde luego – decía Ophelia -y le dije a mi sobrino que la quería para mí. Carlos se lo dijo y poco después me envió la misma foto con esta dedicatoria:


 “Fernando Pessoa, en flagrante delitro”. 


Le escribí para darle las gracias y me contestó.




PESSOA Y KAFKA


Eran funcionarios de día y poetas de noche.


El redescubrimiento actual de Pessoa semeja al de Franz Kafka en los años cincuenta del siglo XX.



Ambos dejaron una vasta obra inédita que se conoció en forma póstuma.



Pessoa se transformó rápido en una referencia del Postmodernismo lo mismo que Kafka lo fue del Modernismo.





















Kafka y Pessoa son verdaderos iconos de la cultura universal. 


Desdoblarse siempre ha sido una forma de sortear la realidad amenazadora, una extraña forma de búsqueda de la verdad, una protección contra la muerte, el cautiverio o el poder que nos somete. 



El funcionario poeta es el arquetipo de ese impulso al desdoblamiento, esa especie particular de necesidad de búsqueda de sí mismo del hombre en tiempos especialmente complejos. 



Por eso Kafka y Pessoa aún ejercen en nosotros un raro atractivo 


LA LISBOA DE PESSOA

Da un paseo por la Lisboa antigua de Pessoa con la compañía de la voz de Amália Rodrigues.